Joaquín Sorolla (1863-1923) était un peintre espagnol, maître incontesté de la lumière. Surnommé le « peintre de la lumière », il est célèbre pour ses scènes vibrantes de plages ensoleillées, de paysages méditerranéens et de portraits, où il capturait avec brio l’éclat du soleil et le mouvement. Son style, proche de l’impressionnisme et du luminisme, est caractérisé par des coups de pinceau rapides et des couleurs éclatantes.
exceptionnellement deux toiles et du même peintre maintenant que j’ai retrouvé mes deux yeux.
Rappel : pas plus de deux œuvres par articleet si possible même peintre
Jim Warren désigne le plus souvent l’artiste américain, réputé pour son art surréaliste et fantastique.Naissance : 24 novembre 1949, à Long Beach, Californie.
Style artistique : Il est principalement connu pour son art fantastique surréaliste, souvent caractérisé par des couleurs vives et des images oniriques. Il a collaboré avec d’autres artistes comme Wyland (artiste de la vie marine) et Michael Godard.
Faits marquants de sa carrière :Couvertures de livres : Il a illustré plus de 200 couvertures de livres pour de grands éditeurs new-yorkais, incluant des œuvres d’auteurs comme Arthur C. Clarke et Robin Cook.Affiches de films : Il a conçu des affiches de films de collection.
Travaux commerciaux : Ses peintures ont figuré sur des panneaux d’affichage, des fresques murales et comme accessoires de décor pour des émissions de télévision. Collaborations Disney : Il est également un artiste officiel Disney Fine Art, créant des interprétations uniques des personnages Disney. « Earth Love it or Lose it » : Sa peinture de 1990 « Earth… Love It or Lose It » est devenue un symbole visuel largement reconnu du mouvement environnemental mondial.
Autodidacte : Jim Warren est en grande partie un artiste autodidacte, bien qu’il ait suivi quelques cours d’art au lycée et à l’université.
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Je suis absente ce matin je mettrai les liens manquant ce soir
Michelangelo Merisi da Caravaggio, communément appelé Le Caravage, est l’une des figures les plus révolutionnaires et influentes de l’histoire de l’art occidental. Né à Milan en 1571 et mort en 1610, sa vie fut aussi tumultueuse que son art était novateur. Le Caravage est considéré comme un pionnier de la peinture baroque.Le Maître du Clair-Obscur et du Ténébrisme : Sa technique la plus emblématique est l’utilisation radicale du clair-obscur, un contraste violent entre l’ombre et la lumière. Il poussait cette technique jusqu’au ténébrisme, où des zones entières du tableau sont plongées dans une obscurité profonde, tandis que des figures ou des détails sont éclairés de manière intense et théâtrale par une source de lumière unique et souvent invisible. Cela crée une atmosphère de tension, d’immédiateté et de profondeur émotionnelle.
Cette œuvre a été réalisée peu après l’entrée du Caravage au service du Cardinal Francesco Maria del Monte.Le tableau représente un groupe de quatre jeunes hommes, dont trois sont des musiciens et le quatrième semble être un Cupidon ou un jeune homme mélancolique. Le tableau est souvent interprété comme une allégorie de la musique et de l’amour, thèmes chers au cardinal Del Monte. La présence de Cupidon et des fruits (raisins) renforce cette idée de plaisir sensuel et de beauté.
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Georges Seurat, né le 2 décembre 1859 à Paris 5e et mort le 29 mars 1891 à Paris 10e, est un peintre et dessinateur français. Il est l’inventeur de la technique dite divisionniste, de division du ton, appelée également peinture optique ou chromo-luminarisme, et plus couramment pointillisme.
Le Chahut
« Le Chahut » est une œuvre majeure de Georges Seurat, réalisée entre 1889 et 1890, qui incarne parfaitement les principes du néo-impressionnisme et la technique du pointillisme dont il fut le pionnier. Le tableau est conservé au musée Kröller-Müller à Otterlo, aux Pays-Bas. « Le Chahut » représente une scène de cabaret parisien, un « chahut » étant une forme de cancan, une danse populaire et provocatrice de l’époque. On y voit des danseurs et danseuses aux jambes levées, dans des mouvements synchronisés, accompagnés par des musiciens et observés par un public.
Pointillisme et Divisionnisme : Seurat applique méticuleusement la théorie des couleurs de son époque, en utilisant de petits points ou « touches » de couleurs pures juxtaposées. Ces points se mélangent optiquement dans l’œil du spectateur pour créer les teintes et les lumières désirées. Cette technique visait à obtenir une luminosité et une intensité chromatique maximales.
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Une amie m’a suggéré ce thème. Nous l’avons déjà vu mais il est tellement riche que l’on peut continuer des mois sur ce thème. Allez Ma Zaza dégotte nous des chefs d’oeuvre.
Giovanni Giacometti (1868-1933) est une figure importante de l’art suisse, surtout connu pour être le père du célèbre sculpteur Alberto Giacometti, ainsi que de Diego Giacometti (également sculpteur et designer) et de Bruno Giacometti (architecte). Giovanni Giacometti est issu d’une famille d’artistes. Il a étudié l’art à Munich puis à Paris, où il a été exposé aux courants artistiques de l’époque. l a débuté sous l’influence de l’Impressionnisme et du Post-Impressionnisme, notamment après sa rencontre avec le peintre italien Giovanni Segantini. Il a adopté une technique de « traits de pinceau nourris de couleurs pures » et une matière épaisse.
« La Montagne fertile » est un terme qui peut désigner plusieurs choses, mais dans le contexte artistique et notamment en lien avec la famille Giacometti, il fait très probablement référence à un aspect essentiel de leur inspiration et de leur lieu de vie : l’Engadine et ses montagnes.
La vallée de l’Engadine, située dans le canton des Grisons en Suisse, est le berceau de la famille Giacometti. C’est là que Giovanni Giacometti est né et a vécu une grande partie de sa vie, et c’est aussi un lieu fondamental pour Alberto et Diego.
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Article programmé : je suis absente jusqu’à lundi soir
Cette semaine c’est à la campagne
Peinte vers 1884, cette huile sur toile est un magnifique exemple du style impressionniste de Morisot. Elle représente une scène de jardin sereine, probablement dans la maison de campagne de l’artiste à Maurecourt, un village au bord de la Seine.
Touches de pinceau lâches : Typiques de l’impressionnisme, Morisot était une maîtresse dans la représentation des subtilités de la lumière naturelle. On voit comment elle joue avec les ombres et les lumières pour créer de la profondeur et de l’atmosphère.Palette douce et harmonieuse : Elle utilisait fréquemment une gamme de couleurs délicate, conférant à ses œuvres une luminosité distinctive.
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C’est le moment de choisir vos prochaines vacances parque les réservations vont bon train.
Que préférez vous la montagne, la campagne ou la mer où au détour d’une rando ou une simple balade on découvre des petits villages pittoresques ou pas !
Pour la dernière semaine j’ai choisi cette toile de Dali. Plus je regarde ses toiles plus je les aime. Je ne présente pas le peintre ce serait vous faire offense. Mais sur sa toile
Au lieu de la rose, c’est une bouche féminine, pulpeuse et d’un rouge intense qui domine la composition. Elle est suspendue dans un ciel vaste et légèrement nuageux, évoquant une atmosphère onirique. La bouche est rendue avec un réalisme troublant, chaque détail des lèvres étant visible. Un ou plusieurs petits personnages apparaissent au loin dans le paysage. Leur taille minuscule face à la bouche géante. Ils semblent contempler la bouche, à la fois fascinés et submergés. L’ambiance est souvent celle d’un crépuscule ou d’une lumière douce, ce qui confère à la scène une qualité à la fois éthérée et mystérieuse.
On peut donner beaucoup d’interprétation à cette toile. La bonne est celle que vous ressentez. Désir, passion irréalité, inconscient ou fragilité des sentiments.
pour rappel la rose méditative
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Jean Frédéric Bazille (1841-1870) était un peintre impressionniste français, bien qu’il n’ait jamais exposé avec le groupe. Il fut une figure essentielle dans le développement précoce de l’Impressionnisme et un ami proche de plusieurs de ses acteurs clés, notamment Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas et Alfred Sisley. Né dans une riche famille protestante à Montpellier, en France, Bazille a d’abord étudié la médecine pour satisfaire ses parents. Il a étudié à l’atelier de Charles Gleyre, où il a rencontré Monet, Renoir et Sisley, nouant des amitiés durables. Bazille était connu pour sa générosité, souvent en soutenant financièrement ses amis artistes moins fortunés. Il a partagé des ateliers avec Renoir et Monet, et ses ateliers sont devenus d’importants lieux de rencontre pour le mouvement impressionniste naissant.
La robe rose
La jeune femme représentée est Thérèse des Hours, la cousine germaine de Bazille. Elle est assise sur le rebord d’un muret en pierre, tournant le dos au spectateur, et contemplant le paysage. La scène se déroule sur la terrasse de la propriété familiale de Bazille, le Domaine de Méric, près de Montpellier. En arrière-plan, on peut distinguer le village de Castelnau-le-Lez, baigné par la lumière du soleil du Midi.
« La Robe rose » est un témoignage de la modernité et de l’audace de Bazille, qui, malgré sa courte carrière, a grandement contribué à la nouvelle vision artistique qui allait révolutionner la peinture française.
Et chez les aminautes Rappel : pas plus de deux œuvres par articleet si possible même peintre
La plume qui chatouille 